Картины в японском стиле своими руками: живопись и объем

Интерьерные картины в японском стиле — делаем сами (+супер фото!)

Картины в японском стиле своими руками добавят индивидуальности и философского настроения в интерьер . Японская живопись уникальна и самобытна. Одним из самых выразительных направлений является пейзаж.

Его характерные особенности:

• Легкая сюрреалистичность композиции. Не добивайтесь фотографического сходства, главное – передать настроение и чувства, возникающие при вдумчивом созерцании.
• Отсутствие ярких красок – только легкие, пастельные, почти прозрачные полутона.
• Четкие, но в то же время плавные контуры фигур.

Своими руками вы можете создать, конечно, не шедевр, но оригинальное и самобытное произведение в японском стиле, идеально подходящее для украшения интерьера.

Самый простой вариант

Для тех, кто располагает минимумом времени, и не может похвастаться способностями к рисованию, есть следующий вариант картины своими руками.

На листе плотного картона густой черной гуашью или тушью изобразите ветку дерева. Затем в нескольких блюдцах или одноразовых пластиковых тарелках в разных пропорциях смешайте красную и белую краску, чтобы получить различные оттенки розового. Цвета не должны быть излишне яркими. Поочередно в каждое блюдце окунайте спонж или кусочек губки и наносите отпечатки на картон, изображая цветы сакуры. Перед нанесением следующего слоя дождитесь, пока полностью высохнет предыдущий.

Традиционный пейзаж

Если вы хотите традиционный японский пейзаж, приобретите акварельные краски и специальную бумагу для рисования ими. Бумагу можно заменить картоном. Еще понадобится остро заточенный карандаш, пастель, палитра и кисти.

Не забудьте, что прежде чем начать рисовать, бумагу для акварели пропитывают водой.

Учтите, что картон хорошо впитывает воду, значит, краску нужно разводить водой сильнее, чтобы получить необходимый прозрачный тон. На бумаге, наоборот, появятся потеки. Поэтому сначала поэкспериментируйте, чтобы найти нужную пропорцию.

• Те, кто умеет рисовать, изображают на листе набросок своими руками. Если вы лишены способностей, берите готовый пейзаж, копируйте на кальку и переносите на бумагу. Сильно нажимать на карандаш нельзя. Линии должны быть чуть заметными и плавными. Обозначьте только основные контуры. Все остальное нужно дорабатывать кистью.

• Приступайте к нанесению краски. Начните с фона (небо, вода) и самых крупных деталей (горы, зелень). Используйте толстую кисть. Помните, что цвета используются легкие, полупрозрачные. От верхнего края листа двигайтесь к нижнему. Оставьте рисунок до полного высыхания.

• Затем самой тонкой кистью начинайте прорисовывать мелкие детали – стволы и ветви деревьев, дома на горном склоне, птиц в небе, вершины гор в снегу, бабочек на цветках. Линии должны быть четкими и плавными. Не старайтесь быть фотографически точными. Главное – передать впечатление. Легкое ощущение незавершенности и размытости идеально подходит для картины в японском стиле.

• Пастельными мелками изобразите тени на склонах гор и на земле, блики на воде. Но совсем немного.

• Последний штрих – стихотворение, отвечающее теме и настроению пейзажа. Их вы найдете на тематических интернет-сайтах. Предварительно потренируйтесь в написании иероглифов, чтобы добиться требуемой легкости и изящества росчерков. Чтобы создать впечатление старины, смешайте черную гуашь или тушь с коричневой или темно-синей.

Полотно на шелке

Главное здесь – интуиция и чувство меры. Эффектно смотрится картина из черных линий на алом или желтом фоне, созданная своими руками. Если ткань пастельного цвета, те, кто знаком с техникой батик, могут на мокром полотне изобразить пейзаж или просто абстрактный цветной фон. Приступайте к работе только тогда, когда ткань полностью просохнет.

• Подберите соответствующий рисунок и с помощью кальки или копировальной бумаги перенесите его на кусок шелка (лучше натурального). Чем больше линий, тем интереснее получится произведение.

• Зафиксируйте ткань в натянутом положении, чтобы она не сминалась. Можно просто прижать края чем-то тяжелым, но лучше растянуть ее на специальных больших пяльцах для вышивки.

• Далее из нитей мулине нужных цветов начинайте скручивать шнуры разной толщины. Для основных элементов (ствол дерева, склон горы, журавль) – 2-4 мм, для мелких деталей – 1 мм или меньше. Все зависит от формата полотна и масштаба изображения. Как сделать шнурок? Возьмите несколько нитей за концы и крутите в противоположные стороны. Затем сложите пополам.

• Тончайшим слоем, иглой или зубочисткой понемногу наносите клей ПВА на контуры. И тут же, пока он не успел высохнуть, приклеивайте шнур, придавая наброску объем, а всему изображению – рельефность. Законченная картина похожа на гравюру наоборот.

• Особенно тщательно прорабатывайте концы и пересечения линий. Аккуратно подрезайте шнур и прячьте все торчащие нитки на стыках. Два конца друг на друга накладывать не стоит – перепады толщины плохо смотрятся.

• Подождите, пока высохнет клей, и вставьте полотно в рамку. Если оно длинное и узкое, вденьте по верхнему краю кулиску, нижний утяжелите и вешайте так.

Лоскутная живопись в технике кинусайга

Японцы – люди очень практичные. Именно поэтому старые, не пригодные для дальнейшей носки кимоно они разрезают на мелкие кусочки и создают замечательные лоскутные картины.

Чтобы своими руками создать шедевр, вам понадобится следующее:

• Лист плотного картона;
• Тонкий лист пенопласта (подойдет квадрат потолочной плитки);
• Лоскутки ткани одинаковой толщины;
• Синтепон или вата;
• Клей-карандаш;
• Зубочистка или тонкая спица;
• Принадлежности для шитья – нитки, игла, портновские булавки, ножницы;
• Краски (лучше всего акриловые).

• Проще всего приобрести готовый шаблон в магазине рукоделия. Там уже намечено, как именно разрезать его. В комплект входит два одинаковых рисунка. Иначе вам придется создавать его своими руками.

• Перенесите рисунок на кальку и разрежьте на фрагменты. Чтобы не запутаться, каждый кусочек пронумеруйте.

• Вырежьте детали из ткани подходящего цвета. Со всех сторон добавьте минимум 2 мм для припуска.

• Пенопласт наклейте на картон. На него приклейте второй экземпляр шаблона и острым ножом прорежьте линии контуров. Желобки должны быть примерно той же глубины, что и припуск на ткани.

• Края желобков промажьте клеем. Зубочисткой или иглой аккуратно заправляйте каждый лоскуток на свое место. Оставляйте небольшое отверстие, чтобы набить его ватой или синтепоном.

• Прорисуйте краской мелкие детали. Также для отделки можно использовать тонкие шнуры. Японская картина готова.

Объемные произведения в технике осиэ

Картины в технике осиэ – это объемные аппликации из бумаги. Этот вид декоративно-прикладного искусства напоминает предыдущий вариант, но техника требует большей усидчивости, аккуратности и кропотливости. В Японии эти картины своими руками делают даже маленькие дети.

• Лист плотного картона и лист ватмана;
• Японская бумага-васи;
• Тонкий поролон или ватин;
• Клей;
• Ножницы.

Вам нужна именно бумага-васи, так как по текстуре она напоминает ткань. Обычная цветная бумага не имеет необходимой эластичности, легко мнется и рвется по сгибам.

• Лист картона аккуратно промажьте клеем и приложите к нему мягкую подкладку. Подождите, пока клей высохнет.
• Сделайте на ватмане две копии выбранного рисунка – одну в нормальном виде, другую в зеркальном отражении. В магазинах для рукоделия продаются соответствующие шаблоны. Или делайте все своими руками.
• Зеркальную копию приклейте на картон и разрежьте рисунок на части по линиям. Пронумеруйте каждую деталь.
• Снова вырежьте те же самые кусочки, но уже из цветной бумаги-васи. Не забудьте о припусках – 05,-1 см.
• Приложите деталь из бумаги к мягкой подкладке, загните припуски и приклейте их к картону с обратной стороны. В углах и на длинных округлых линиях, чтобы было легче клеить, можно сделать несколько перпендикулярных надрезов.
• Все кусочки по порядку приклеивайте на первую копию рисунка.

Видеогалерея

Картины в японском стиле. Как нарисовать картину в японском стиле?

Японская живопись — одно из древнейших направлений в искусстве. Живопись в Японии появилась в самый древний период истории страны. На гончарных изделиях и прочих предметах быта можно встретить самые простые изображения геометрических фигур и различных узоров. Однако, с приходом в страну китайской культуры, произведения японских художников все более и более стали содержать элементы живописи страны Конфуция.

Одним из самых впечатляющих и колоритных направлений японской живописи является пейзаж. Японские художники не придавали особенного значения реалистичности композиции. Главным для них являлась передача впечатлений от созерцаемого ими величия природы.

Как нарисовать картину в японском стиле?

Японский пейзаж можно изображать обыкновенными акварельными красками. Для закрашивания необходимо использовать больше воды, а для прорисовывания отдельных деталей добавлять больше краски.

Для того, чтобы приступить к работе, вам понадобится картон или акварельная бумага, простой карандаш, ластик, пастельные мелки и, конечно же, акварель.

• Начните с карандашного наброска. Для этого изобразите контуры будущей картины на листе с помощью простого карандаша. Следите за тем, чтобы лини были очень мягкими и едва заметными. Нажимать на карандаш нужно совсем слегка. Ведь, по японской традиции, рисунок должен быть очень легкий и практически невесомый. Ни в коем случае не прорисовывайте карандашом деталей – это забота тонкой кисти.
• Изобразите на заднем плане далекие горы, пагоды, водоемы, соорудите несколько традиционных японских мостиков.
• При очерчивании силуэтов людей не забудьте учесть особенности их одежды и осанки.
• Для картин в японском духе уже стало привычным наличие на них главного символа этой страны – цветущей сакуры. Вы тоже можете на своем произведении изобразить эту удивительную по красоте вишню с облетающими на ветру лепестками.

• После нанесения карандашного наброска займитесь раскрашиванием картины. Помните, что цвета должны быть невесомыми, воздушными. Для этого необходимо подобрать правильное соотношение воды и краски. Необходимо учитывать способность картона к поглощению воды, а акварели к появлению потеков.
• Для окрашивания фона (например, неба и воды) используйте толстые кисти. Начните этот процесс с крупных деталей, находящихся вверху картины, постепенно спускайтесь вниз, пока не раскрасите всю воду, зелень и детали неба на картине. Затем оставьте рисунок до полного высыхания.

• Теперь можно переходить к деталям. Возьмите тонкую кисть и начните прорисовывать кроны и стволы деревьев, крыши домов, снежные вершины гор. Не старайтесь прорисовывать каждую деталь вплоть до листков и лепестков. Ваша задача — с помощью нескольких мазков кисти задать направление бутонов и веток. Чтобы получить необходимые оттенки, акварель смешивайте на палитре. Стоит избегать слишком явных, ярких оттенков.
• В одном из уголков картины расположите японские иероглифы. В интернете вы сможете найти множество подходящих для вас и вашего настроения японских стихотворений (хокку). Эти символы рисовать не так просто, как кажется на первый взгляд, поэтому в их изображении лучше потренироваться. Для придания письменам легкого налета давности и некоторой запыленности используйте черную краску, смешанную с синей или коричневой.

• Используя пастельные мелки, создайте тени. Они должны располагаться на склонах гор и поверхности воды. Главное — не переусердствовать. Их не должно быть слишком много.

Простая картина в японском стиле

Если у вас не очень много времени, да и желания рисовать обширные пейзажи не т никакого, а вот украсить интерьер японской «штучкой» хотелось бы, то можете воспользоваться следующей методикой. Нарисуйте густой черной краской ветку дерева. Затем в одноразовую тарелку налейте немного нежно-розовой краски. В краску окуните дно пластиковой бутылки и сделайте отпечатки на бумаге. Дождитесь, пока рисунок высохнет. Таким образом, вы получите замечательную ветку сакуры, не прилагая собственных усилий.

На сегодня японская тематика в интерьере очень актуальна. Это и картины, и декор стен, и мебель в японском стиле, и светильники в японском стиле.

Читайте также:

Японская тематика вносит гармонию и спокойствие в наш бешеный ритм жизни. Следуя законам жанра искусства страны Восходящего солнца, вы сможете почувствовать влияние этой тематики на свою жизнь и душу.

Читайте другие интересные рубрики

Суми-э — японская монохромная живопись

Суми-э — японская монохромная живопись

Суми-э — японская монохромная живопись тушью. Это направление возникло в XIV веке и было заимствовано из Китая. Слово суми-э (sumi-e) представляет собой соединение двух японских слов, которые в переводе означают «тушь» (суми) и «живопись» (э). То есть суми-э — это тип монохромной живописи, похожей на акварель.

Дзэнские монахи, которые проводили долгие часы, изучая классические образцы китайской литературы, идентифицировали себя с конфуцианскими мудрецами, отвергавшими вульгарный мир ради общения с природой и овладения такими изящными искусствами, как музыка, поэзия, живопись и каллиграфия.

Уникальности сюжета, мягкое прикосновение кисти и обильное использование воды – все это составляет отличительные индивидуального стиля японской живописи суми-э.

Сэссон Сюкэй 雪村. Восемь видов рек Сяо и Сян

Зарождение суми-э

На протяжении XIV–XV веков преобладающим направлением был монохромный пейзаж в стиле ванн суй («горы-вода») произведениями которого украшали дворцы аристократов и военной элиты. Представителями сан суй были высокообразованные художники — Китидзан Минтё (1352-1430), Дзёсэцу (1405-1423) и Сэйссю Тойо (1420-1506) обучавшиеся в Китае. Дзёсэцу и Сэйссю были художниками монахами из монастыря Сёкокудзи в Киото, который принадлежал дому Асикага.

Дзен-монах Дзёсэцу (1394-1428), согласно приданию стал основателем стиля суми-э в пейзажном жанре. Картина «Ловля рыбы при помощи тыквы», выполненная по личному заказу военного правителя Японии, уже вполне самостоятельна и несёт лишь следы китайского влияния.

Дзёсэцу. Ловля сома тыквой-горлянкой.

В эпоху Муромати много художников появилось и в провинциях, и большинство из них имели самурайское происхождение. Наиболее известный из них – Сэссон Сюкэй 雪村 (1504-1589). Сэссон ушел в монахи и стал художником, продолжал работать до 80 лет в районе Канто и Айдзу. Среди его работ множество обладают отпечатком самурайского происхождения художника.

Sesson Shukei. Tempest

Хосэгава Тохаку (1539-1610) был выдающимся художником этого периода. легендарное произведение в формате двух 6-панельных ширм — Сосновый лес . В настоящее время Сосновый лес хранится в токийском Национальном музее и включён в список национальных сокровищ Японии.

Хасэгава Тохаку. Сосновый лес, левая сторона

Хасэгава Тохаку. Сосновый лес, правая сторона

Каждая ширма величиной 1,5 м х 3,5 м. Сосны изображены штрихами тушью в различных оттенках серого цвета. Они стоят группами в тумане, частично выступая из него и пропадая, растворяясь в отдалении. Это произведение также является одним из самых известных примеров использования приёма ёхаку, или «осмысленной пустоты» в японской живописи.

В переходный период от Адзути-Момояма к более мирному времени Эдо работал художник Товарая Сотацу, творчество которого знаменовало появление исключительно японского стиля суми-э. Также ему приписывают основание декоративной школы японской живописи Римпа. Вместе с оригинальным стилем живописи и техникой тарасикоми – стекание капель туши Товарая оказал колоссальное влияние на современный стиль суми-э.

Маруяма Окё. Сосны под снегом. Роспись шестистворчатых ширм.

Еще одним знаменитым мастером этого периода, делавшим зарисовки с натуры, был Маруяма Окё (1733-1795). Он умел виртуозно использовать пустое пространство листа в своих композициях.

Этот стиль возник как отрицание академических стилей, а выдвигал на первый план экспромт, наитие, сиюминутное настроение художника. Потому главными жанрами нанга стали пейзажи и «цветы-птицы».

Выдающимися мастерами этого направления были Икэ-но Тайга (1723-1776), Ёса Бусон (1716-1784), Урагами Гёкудо (1745-1820), Таномура Тикудэн (1777-1835). Творчески переосмысливая традиции японской и китайской живописи, они пытались придать своим картинам настроение глубокой лиричности и неповторимой индивидуальности.

Портрет Урагами Гёкудо

В XVIII в. в моду входит китайский стиль бундзинга («живопись художников-интеллектуалов»), получивший в Японии название нанга. Художники бундзинга , считавшиеся «японскими импрессионистами», вдохновленные китайской культурой, особо ценили живопись эпохи династий Юань, Мин и Цинь.

Ориентир на китайские образцы всегда был свойственен японской монохромной живописи. Однако удивительная способность японцев к виртуозной интерпретации заимствований приводила к тому, что образцы, приходившие с материка, постепенно преобразовывались в духе отечественных художественных тенденций.

Урагами Гёкудо. Голубые горы, предчувствие дождя.

В отличие от Китая, где живопись тушью вплоть до современности развивалась в едином русле общих законов и традиций, в Японии к ней обращались мастера разных школ и направлений, сумевшие существенно расширить художественный диапазон и арсенал выразительных средств суйбокуга.

Урагами Гёкудо. Червленые осенней листвой горы.

Вобрав в себя мистический дух буддизма, суми-э в художественной форме воплотила его основные мотивы.Простые черные линии, нанесенные на белую бумагу, могут представлять собой сложную модель, подобно тому, как в Дзен несколько произнесенных слов могут быть результатом многих часов медитации.

Маруяма Окё.Сосна, бамбук и слива (три символа счастья).

В задачу художника не входит фотографически точное воспроизведение действительности, он отбрасывает все то, что его не интересует. Он изображает природу такой, какой она рисуется в его воображении, воплощает самую ее суть. Любые образы художник хранит в памяти такими, какими он их увидел.

Простота в сложном. Японская
живопись суйбокуга

Умиротворяющие виды туманных гор и пейзажи весенних долин, философские сюжеты на фоне безмятежной природы и замершие в стремительном движении звери. Возможно ли изобразить так много лишь несколькими черными штрихами на белой бумаге? Возможно. Художники Древнего Востока создали стиль суйбокуга или суми-э.

Суйбокуга переводится как «картина водой и тушью». Только из одних этих компонентов и состоит весь стиль. Предшествующие суйбокуга техники возникли в древнем Китае. Картины тогда создавались простыми мазками туши. Позже художники стали экспериментировать, пытаясь сочетаниями линий добиться объёмности и выразительности. К первой половине VIII века в эпоху династии Тан зародился полноценный стиль рисования тушью, который сегодня мы называем суйбокуга. Слово, кстати, японское. В Стране восходящего солнца техника стала популярна в XIV веке. Ее приверженцами были дзен-монахи, аристократы, правители и даже один очень известный в Японии мечник. Его имя Миямото Мусаси, но современники прозвали его Кэнсай – Святой меч.

Мусаси до сих пор считается величайшим фехтовальщиком, а также выдающимся живописцем. В своем известном трактате «Книга пяти колец» он писал:

«Говорят, что Путь Воина − обоюдное слияние Путей кисти и меча, и каждый, стремящийся к постижению, должен достичь достаточных высот на обоих поприщах»

И после него многие художники сопоставляли свое ремесло с фехтованием. Ведь вся техника строится на аккуратном, правильном мазке кисточкой, добиться которого можно только в строгом положении тела: спина прямая, рука согнута в локте перпендикулярно телу, движения делаются не пальцами, а кистью. В такой неудобной для многих новичков позе творили и творят мастера, отдавая дань традициям.

Японцы свято следовали принципам стиля живописи, который, по сути, был главной альтернативой европейскому изобразительному искусству в древности. В Китае традиции двух культур смешались, в картинах стало прослеживаться влияние Запада.

Японские же художники следовали незыблемым принципам: недосказанность и пустота, а на понятном языке – свобода пространства. Мастера этого стиля всегда оставляли определенную часть холста нетронутой. Этот фрагмент картины при завершенной композиции побуждает зрителя фантазировать, заполнить пустоту своими образами.

Внешняя простота суйбокуга поражает. Как только при такой незамысловатой технике создается эффект красочности, динамичности? Существует множество способов изображения отдельных объектов, видов цветков, животных, пейзажей. Сами художники экспериментируют с игрой света и тени, создают разнообразные оттенки белого и черного. Так, например, на абсолютно белой бумаге появляются снежные сугробы.

Сегодня многие пробуют рисовать цветной тушью на листах с едва заметным узором, или вовсе на окрашенных. Так можно изобразить цветы более живыми. Ведь задача художника суйбокуга – передать мгновение, застывшую часть реальности. Очень напоминает японскую лирику − хайку. Эти стихи нередко изображают каллиграфы на полотнах.

Во всем мире находятся художники, способные передать чувства в «остановившемся мгновении». Архаичное японское искусство ежегодно собирает большое количество новых поклонников. И, кажется, что эта древняя красивая формула пустоты и простоты будет верна всегда.

Японская монохромная живопись

В данном посте хотелось бы уделить внимание не истории монохромной живописи, а ее сути. Об этом и пойдет речь.

ширма «Сосны» Хасэгава Тохаку, 1593г.

То, что мы видим на монохромных картинах – это результат взаимодействия художника с основной триадой: бумага, кисть, тушь. Поэтому чтобы правильно понимать работу, надо понимать самого художника и его отношение.

«Пейзаж» Сэссю, 1398г.

Бумага для японского мастера не просто подручный материал, который он подчиняет своей прихоти, а скорее наоборот — это «собрат», поэтому и отношение к ней сложилось соответствующее. Бумага это часть окружающей природы, к которой японцы всегда относились трепетно и старались не подчинить себе, а мирно сосуществовать с ней. Бумага – это в прошлом дерево, которое стояло в определенной местности, определенное время, «видело» что-то вокруг себя, и она все это хранит. Так материал воспринимает японский художник. Часто мастера прежде чем начать работу, долго смотрели на чистый лист (созерцали его) и только потом приступали к живописи. Даже сейчас современные японские художники, которые занимаются техникой Нихон-га (традиционная японская живопись) тщательно выбирают бумагу. Они покупают ее под заказ на бумажных фабриках. Для каждого художника определенной толщины, влагопроницаемости и фактуры (многие художники даже заключают договор с владельцем фабрики не продавать эту бумагу другим художникам) – поэтому каждая картина и воспринимается как нечто уникальное и живое.

«Читая в бамбуковой роще» Сюбун, 1446г.

Говоря о значимости этого материала, стоит упомянуть такие известные памятники литературы Японии как «Записки у изголовья» Сэй Сёнагон и «Гэндзи моноготари» Мурасаки Сикибу: и в «Записках», и в «Гэндзи» можно встретить сюжеты, когда придворные или влюбленные обмениваются посланиями. Бумага, на которой писались эти послания была соответствующего времени года, оттенка, а манера написания текста соответствовала ее фактуре.

«Мурасаки Сикибу в храме Исияма» Кёсэн

Кисть – вторая составляющая, это продолжение руки мастера (опять же — это природный материал). Поэтому кисти тоже делались на заказ, но чаще всего самим художником. Он подбирал волоски необходимой длины, выбирал размер кисти и наиболее удобную рукоять. Мастер пишет только своей кистью и никакой другой. (Из личного опыта: была на мастер-классе китайского художника Цзян Шилуня, зрители попросили показать, что умеют его ученики, присутствовавшие на мастер-классе, и каждый из них, взяв в руки кисть мастера, говорил, что получится не то что они ожидают, так как кисть не их, они к ней не привыкли и не знают как правильно ей пользоваться).

«Фудзи» эскиз тушью Кацусика Хокусай

Тушь – третий важный элемент. Тушь бывает разных видов: она может дать после высыхания глянцевый или матовый эффект, может быть с примесью серебристых или охристых оттенков, поэтому правильный выбор туши также не маловажен.

Ямамото Байцу, конец XVIII — XIX век.

Основные сюжеты монохромной живописи это пейзажи. Почему в них нет цвета?

парная ширма «Сосны», Хасэгава Тохаку

Во-первых, японского художника интересует не сам предмет, а его суть, некая составляющая, которая является общей для всего живого и приводит к гармонии человека с природой. Поэтому изображение — всегда намек, оно обращено к нашим чувствам, а не к зрению. Недосказанность – это стимул диалога, а значит соединения. В изображении важны линии и пятна – они образуют художественный язык. Это не вольность мастера, который где захотел, там оставил жирный след, а в другом месте наоборот недорисовал – в картине все имеет свой смысл и значение, и не несет случайного характера.

Во-вторых, цвет всегда несет какую-то эмоциональную окраску и по-разному воспринимается разными людьми в разных состояниях, поэтому эмоциональная нейтральность позволяет зрителю наиболее адекватно вступить в диалог, расположить его к восприятию, созерцанию, мысли.

В-третьих, это взаимодействие инь и ян, любая монохромная картина гармонична с точки зрения соотношения в ней туши и нетронутой области бумаги.

Почему большая часть пространства бумаги не задействована?

«Пейзаж» Сюбун, середина XV века.

Во-первых, незаполненность пространства окунает зрителя в изображение; во-вторых, изображение создается так, словно оно на мгновение выплыло на поверхность и вот-вот исчезнет – это связано с мировоззрением и мировосприятием; в-третьих, на тех областях, где нет туши на первый план выходит фактура и оттенок бумаги (на репродукциях это не всегда видно, но на деле это всегда взаимодействие двух материалов – бумаги и туши).

Почему пейзаж?

«Созерцание водопада» Гэйами, 1478г.

Согласно японскому мировоззрению, природа совершеннее человека, поэтому он должен у нее учиться, всячески ее беречь, а не уничтожать или подчинять. Поэтому на многих пейзажах можно увидеть небольшие изображения людей, но они всегда незначительны, малы по отношению к самому пейзажу, или изображения хижин, которые вписаны в окружающее их пространство и даже не всегда заметны – это все символы мировоззрения.

«Времена года: Осень и Зима» Сэссю. «Пейзаж» Сэссю, 1481г.

В заключение, хочу сказать, что монохромная японская живопись это не хаотично разбрызганная тушь, это не прихоть внутреннего эго художника – это целая система образов и символов, это хранилище философской мысли, а главное, способ коммуникации и гармонизации себя и окружающего мира.

Вот, думаю, ответы на основные вопросы, возникающие у зрителя при столкновении с монохромной японской живописью. Надеюсь, они помогут вам наиболее правильно понять ее и воспринять при встрече.